{"id":8706,"date":"2021-09-08T17:23:40","date_gmt":"2021-09-08T15:23:40","guid":{"rendered":"https:\/\/anni80.net\/blog\/?p=8706"},"modified":"2023-09-17T08:40:46","modified_gmt":"2023-09-17T06:40:46","slug":"the-alan-parsons-project","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/anni80.net\/blog\/musica-anni-80\/cantanti-anni-80\/the-alan-parsons-project\/","title":{"rendered":"The Alan Parsons Project"},"content":{"rendered":"\n\n\n\n\n

Fondato da Alan Parsons<\/a> ed Eric Woolfson<\/a> nel 1975 e attivo fino al 1990, periodo in cui hanno pubblicato undici album in studio, The Alan Parsons Project<\/strong> \u00e8 stato un gruppo britannico di rock progressivo<\/a>.<\/p>\n\n\n\n

Conosciuto come l’ingegnere del suono del bestseller floydiano “The Dark Side Of The Moon”, Alan Parsons \u00e8 stato ben altro, ha costituito il suo personale progetto <\/em>attorno a un rock sinfonico capace di unire strumenti classici e tecnologie elettroniche, incidendo album interessanti e dando un notevole impulso alla evoluzione delle tecniche di registrazione.<\/p>\n\n\n\n

L\u2019Alan Parsons Project ha lasciato un bel segno nel panorama discografico. Dalla met\u00e0 degli anni \u201970 e per tutti gli \u201980 gli album del gruppo hanno spesso occupato le posizioni pi\u00f9 alte delle classifiche e hanno reso il Project un culto con milioni di appassionati. Un culto un po\u2019 misterioso: chi era infatti Alan Parsons che non cantava e non suonava? Dalle copertine dei dischi si capiva che il suo ruolo era soprattutto quello di registrare, produrre, creare il suono. Cosa un po\u2019 strana, di solito il detentore del marchio sono il cantante o il principale compositore Alan invece se ne stava dietro il mixer e creava spettacolari mondi sonori. lo sanno bene i Beatles<\/strong> di Abbey Road<\/em> e i Pink Floyd<\/strong> di The Dark Side of The Moon<\/em>, Parsons \u00e9 stato importante per far s\u00ec che certi dischi entrassero nel mito, quindi non solo per la musica che vi era contenuta, ma anche per il modo in cui questa era stata registrata.<\/p>\n\n\n\n

Parson ha creato una vera e propria arte della registrazione e dell\u2019ascolto, non per niente il best seller dei Pink Floyd \u00e8 indicato ancora, a 50 anni dalla sua pubblicazione, come il disco perfetto per testare gli impianti hi-fi.<\/p>\n\n\n\n

gli inizi<\/h4>\n\n\n\n

Alan nasce a Londra il 20\/12\/1949 e gi\u00e0 in tenera et\u00e0 inizia a suonare la chitarra, il piano e il flauto. Una volta finita la scuola, lavora in un laboratorio di ricerche per lo sviluppo delle telecamere, qui comincia a sviluppare il suo interesse per l’alta fedelt\u00e0, unito alla passione per la musica. L’ascolto di “Revolver”, album dei Beatles<\/a>, sar\u00e0 la scintilla che lo spinge a proporsi agli studi di Abbey Road; dopo dieci giorni, Parsons inizia a lavorare proprio nello studio dei Fab Four, anche se come fattorino. Presto, per\u00f2, sarebbero nate le prime importanti collaborazioni come sound engineering<\/em>, in “Abbey Road” (1969) e “Let It Be” (1970), gli ultimi album dei Fab Four. Curer\u00e0 le sonorit\u00e0 di due album dei Wings, il gruppo che Paul McCartney<\/a> fonder\u00e0 negli anni Settanta insieme alla moglie Linda.<\/p>\n\n\n\n

Alan diventa famoso tuttavia grazie a “Dark Side Of The Moon<\/a>“, bestseller e capolavoro dei Pink Floyd<\/a>. Nelle sessioni di registrazione, Parsons introduce il sound multichannel<\/em>, contrapponendolo alla produzione quadrifonica, anche se non abbandona totalmente tale approccio: in “Money”, ad esempio, utilizza un righello per misurare dei segmenti di nastro, ognuno dei quali contiene un particolare effetto (un registratore di cassa, un sacchetto di monete, un foglio di carta appallottolato, ecc.). Il lavoro di Parsons sul suono lascia un’impronta decisiva al disco, contribuendo in buona parte al suo successo. E pensare che la sua paga era di soli 35 pounds alla settimana…<\/p>\n\n\n\n

il connubio vincente con Woolfson e l’orchestra di Powell <\/h4>\n\n\n\n

Il punto di svolta, per\u00f2, \u00e8 l’incontro nel 1974 con il manager Eric Woolfson di professione avvocato, cantante e pianista dilettante che aveva composto svariate canzoni per vari gruppi beat negli anni sessanta e, nel decennio successivo, avrebbe lavorato nel management del cantante di disco music Carl Douglas. Insieme, decisero di fondare un gruppo musicale affiancato da un’orchestra diretta da Andrew Powell<\/a> e con gli altri musicisti e cantanti come session-man. Pur apparendo nei crediti sempre insieme, Woolfson \u00e8 prevalentemente il compositore dei brani ed anche in alcune occasioni il cantante, mentre Parsons si dedica specialmente alla produzione, a tutti i passaggi come ingegnere e tecnico del suono ed occasionalmente suona qualche strumento o partecipa ai cori. Woolfson inizi\u00f2 dal 1980 a cantare alcuni brani. Altra caratteristica fu quella di usare voci diverse per ogni brano, ricercando ogni volta quella che meglio vi si adattava. Con tale nucleo hanno collaborato nel corso degli anni molti cantanti professionisti come Lenny Zakatek<\/a>, David Paton<\/a>, Chris Rainbow<\/a>, Gary Brooker<\/a> e Colin Blunstone<\/a>.<\/p>\n\n\n\n

i primi (grandi) successi<\/h4>\n\n\n\n

Nel 1976, dopo due anni di elaborazione, viene pubblicato il disco d’esordio dell’ensemble, Tales Of Mystery And Imagination Edgar Allan Poe<\/strong>, ispirato ai racconti e alla vita del maestro del gotico americano. Un album che si erige su solide fondamenta classiche, con un impiego quasi nullo dei sintetizzatori, bench\u00e9 pochi anni prima fosse stato introdotto il primo moog synthesizer.<\/p>\n\n\n\n

Il successivo I Robot<\/strong> (1977), ispirato all’omonimo romanzo di Isaac Asimov, cambia per\u00f2 rotta. L’album, che allude alla robotizzazione della societ\u00e0 e all’incessante progresso scientifico, assume un carattere quasi futuristico, con un grande utilizzo dei sintetizzatori. Album complesso ed eterogeneo, I Robot<\/strong> fissa un nuovo standard di musica elettronica, pi\u00f9 cupo e gotico di quello di Jean-Michel Jarre<\/a>, ma ugualmente melodico e accattivante.<\/p>\n\n\n\n

Tra il settembre 1977 e il febbraio 1978, viene registrato Pyramid<\/strong>, che presenta un’atmosfera meno gelida e inquietante del lavoro precedente. Il disco appare come un viaggio all’interno di una realt\u00e0 tridimensionale, materializzata nelle piramidi egizie.<\/p>\n\n\n\n

Dopo il successo di Pyramid, Parsons si trasferisce a Monaco per la realizzazione nel 1979 del lavoro successivo: Eve<\/strong>. Il titolo si riferisce alla prima donna, simbolo dell’intero genere femminile, ma pullula di infauste predizioni di un’apocalisse prossima ventura. E’ l’album in cui per la prima volta nella produzione di Parsons compaiono vocalist femminili: Lesile Duncan canta in “If I Could Change Your Mind”, una tenera e malinconica canzone d’amore, mentre “Don’t Look Back” \u00e8 affidata a Clare Torry, famosa per la sua straordinaria interpretazione in “The Great Gig In The Sky”, contenuta nel gi\u00e0 citato “Dark Side Of The Moon”.<\/p>\n\n\n\n

Nel 1980 esce The Turn of a Friendly Card<\/strong>, \u00e8 incentrato sul mondo del gioco d’azzardo e dei suoi rischi<\/span>, raccontando a grandi linee la vita di un uomo di mezz’et\u00e0 che diviene insofferente e sfida la fortuna andando al casin\u00f2 e giocandosi tutto e perdendo tutto ci\u00f2 che possiede.<\/p>\n\n\n\n

Alla fine del 1981, Parsons & company decidono di tornare ad Abbey Road per la realizzazione dell’album che avrebbe garantito loro il massimo successo commerciale: Eye In The Sky<\/strong>. Pubblicato nel giugno del 1982, il disco ottiene ottimi riscontri sia di pubblico sia di critica, aggiudicandosi il disco di platino. Assecondando il suo spirito pi\u00f9 “romantico”, Parsons traduce sensazioni e stati d’animo in musica, donando anche una pi\u00f9 intensa profondit\u00e0 ai testi, velati da un’impronta metafisica e introspettiva. La formula impiegata nei lavori precedenti viene ancora riproposta: la tracklist<\/em>, infatti, ha inizio con “Sirius”, breve intro strumentale, in cui i sintetizzatori creano un clima sottilmente sinistro, lasciando poi spazio a un assolo di chitarra; con continuit\u00e0, come se si trattasse dello stesso brano; segue poi la title track, canzone pop dalla melodia orecchiabile, destinata a divenire una delle pi\u00f9 famose degli anni Ottanta.<\/p>\n\n\n\n

Pubblicato per la prima volta nel febbraio del 1984, <\/em>Ammonia Evenue<\/strong> \u00e8 stato il 7\u00b0 album della formazione, l\u2019ispirazione per il titolo dell\u2019album nacque da una visita che Woolfson stesso aveva fatto allo stabilimento della ICI Chemical di Billingham, in Inghilterra, dopo aver incontrato il presidente della ICI stessa su un volo da New York. Visitando lo stabilimento, Eric Woolfson not\u00f2 una lunga strada chiamata Ammonia Avenue, priva di persone e alberi e dominata da chilometri di tubi.<\/p>\n\n\n\n

Nello stesso anno, tra maggio e luglio, Alan Parsons si dedica alla registrazione di Vulture Culture<\/strong>, al quale non partecipa Andrew Powell, poich\u00e9 impegnato nella colonna sonora del film “Ladyhawke”. Nonostante ci\u00f2, l’album, che assume un carattere pi\u00f9 marcatamente pop rispetto al passato, si mantiene su livelli accettabili: otto brani orecchiabili che ben compensano la mancanza dell’apporto orchestrale, e dove non mancano momenti intensi, come ad esempio, nel finale assolo di chitarra della ballad “The Same Old Sun”, oppure nel vigoroso power-pop di “Let’s Talk About Me”.<\/p>\n\n\n\n

Il successivo Stereotomy<\/strong> (1985) vede il ritorno di John Miles, che canta nella title track. Bench\u00e9 contenga perle come la romantica “Limelight”, cantata da Gary Brooker dei Procol Harum, e tratti argomenti fascinosamente riflessivi, come l’introspezione religiosa in “Light Of The World”, l’album non suscita quel trasporto coinvolgente ed emotivo che aveva contraddistinto i precedenti album di Parsons.<\/p>\n\n\n\n

Anche Gaud\u00ec<\/strong>, uscito nel 1987, \u00e8 ben lontano dalle forti emozioni di Eye In The Sky<\/strong> e The Turn Of A Friendly Card<\/strong>. L’album, ispirato alle grandi opere dell’architetto di Barcellona Antonio Gaud\u00ec, si regge solo su pochi brani di discreto livello. Tra questi, “La Sagrada Familia” che, oltre a una toccante parte cantata, sfodera una discreta sezione orchestrale; lo stesso tema viene poi ripreso nell strumentale “Paseo De Gracia”, che conclude la scaletta.<\/p>\n\n\n\n

lo scioglimento del gruppo<\/h4>\n\n\n\n

Nel 1990, Alan Parsons realizza con Woolfson un musical intitolato “Freudiana”: \u00e8 l’ultimo progetto che i due elaborano insieme. Del resto, lo stesso Parsons non si ritiene soddisfatto dell’opera, che tra l’altro sar\u00e0 presentata solo in un teatro di Vienna. Decide cos\u00ec di vendere il suo studio di registrazione, nonch\u00e9 diverse propriet\u00e0 con l’intenzione di trasferirsi in America con la famiglia, acquistando una fattoria in California. Il progetto, tuttavia, non si concretizza e, tornato in Inghilterra, Parsons costruisce un nuovo studio.<\/p>\n\n\n\n

i nuovi album di Alan Parson e il declino<\/h4>\n\n\n\n

Dopo la separazione Parsons realizz\u00f2 altri album (senza il nome “Project” data la separazione da Woolfson) da solista, ma sempre con l’impostazione di pi\u00f9 musicisti e cantanti a collaborare per ogni album. Concentra in particolare la sua attivit\u00e0 sui concerti, che con Woolfson non era mai riuscito ad organizzare. Quindi con una formazione, generalmente denominata “Alan Parsons Live Project”, comincia ad effettuare tour mondiali, anche di lunghissima durata, basati sull’esecuzione dal vivo del materiale del Project e dei nuovi brani di volta in volta pubblicati da solista.<\/p>\n\n\n\n

Dopo aver realizzato un cd di testi tecnici per l’alta fedelt\u00e0, finalmente nel 1993 pubblica, col solo nome di Alan Parsons, Try Anything Once<\/strong>, aprendo un nuovo capitolo della sua carriera. Il suono tradizionale della Philarmonic Orchestra, infatti, viene preferito agli avanzati strumenti tecnologici del passato; inoltre, Parsons abbandona definitivamente l’elaborazione di concept album.<\/p>\n\n\n\n

Il 1996 \u00e8 l’anno di On Air<\/strong>, con il quale si torna al vecchio nome, The Alan Parsons Project, e alla forma del concept album: il disco \u00e8 ispirato infatti all’epopea del volo, dai fratelli Montgolfier al futuro che verr\u00e0, con la fantastica previsione di colonizzazioni di altre galassie e mondi lontani. Ai veterani Bairnson ed Elliott, si aggiunge il bassista John Giblin, ma anche vocalist come Christopher Cross, che canta “So Far Away”. Nella scaletta, da menzionare la malinconica “Brother Up In Heaven” e “Blue Blue Sky II”, introdotta da una sezione orchestrale.<\/p>\n\n\n\n

Nel 1999 esce The Time Machine<\/strong>, nel quale intervengono personaggi di differente estrazione musicale, come Tony Hadley degli Spandau Ballet, Maire Brennan dei Clannad, Beverly Craven e, dulcis in fundo, il vecchio amico Colin Blunstone. Stavolta Parsons si limita esclusivamente al ruolo di produttore e ingegnere del suono, mentre Bairnson ed Elliott compongono i pezzi. The Time Machine<\/strong> \u00e8 stato considerato dai critici il lavoro pi\u00f9 “etereo” dai tempi di Eye In The Sky<\/strong>, con le sue liriche mistiche e i suoi viaggi nel tempo. La versione giapponese contiene la strumentale “Beginnings”, in cui Parsons \u00e8 il narratore.<\/p>\n\n\n\n

Il 2004 \u00e8 l’anno di A Valid Path<\/strong>, un album totalmente rivoluzionario nei suoni e nel team: non c’\u00e8 pi\u00f9 l’intervento di Bairnson ed Elliott, suoi collaboratori da una vita; si tratta ora di un disco solista in tutti i sensi, del quale Parsons \u00e8 l’artefice indiscusso. Tra i collaboratori figurano grandi esponenti della musica elettronica, come Chrystal Method, Nortec Collective, Shpongle, ma anche musicisti storici, come David Gilmour dei Pink Floyd. Il contributo dell’elettronica \u00e8 qui dominante: “Chomolungma”, oltre ai sintetizzatori e alla ritmica campionata, si avvale dell’apporto del vocoder; “L’Arc En Ciel” si fonda su suoni ambientali che ricordano vagamente le sonorit\u00e0 di Jean-Michel Jarre; in “We Play The Game”, Parsons canta e suona la chitarra; “Tijuaniac” rappresenta un bizzarro incrocio tra la musica elettronica e la tradizione messicana del mariachi; \u00e8 presente, infine, una nuova versione di “Mammagamma”, registrata con la collaborazione del figlio, Jeremy Parsons, valido programmatore. L’unico pezzo che risente della nostalgia del passato, \u00e8 “A Recurring Dream Within A Dream”, che riporta alla mente i suoni di “Pipeline” (inclusa in Ammonia Avenue<\/strong>) e i temi esoterici degli esordi.<\/p>\n\n\n\n

Nel 2006 usc\u00ec in Italia la tripla raccolta Days Are Numbers<\/em>. In altri paesi questo Very Best<\/em> venne pubblicato in edizione singolo, doppio o triplo CD e con titoli differenti. Fra il 2007 ed il 2008, nel corso della stessa operazione discografica, tutti gli album del Project vennero pubblicati in nuove edizioni, rimasterizzate da Parsons con artwork particolarmente curato, foto inedite, riconoscimenti brano per brano, note di commento e soprattutto con l’aggiunta di numerose bonus track<\/em> inedite tratte dagli archivi di Woolfson e Parsons. Unica pecca di queste nuove edizioni fu la totale scomparsa dei lyrics<\/em>, i testi completi delle canzoni.<\/p>\n\n\n\n

Il declino dell’ultimo periodo ha solo lievemente appannato l’immagine di un musicista, tecnico e compositore di indubbio talento. Durante la sua lunga carriera, Alan Parsons ha venduto milioni di dischi, ricercando continuamente nuove soluzioni di sperimentazione: nella sua poliedricit\u00e0, sia come sound engineer, sia come musicista, ha realmente segnato un’epoca nell’evoluzione dell’elettronica applicata ai suoni, dimostrando di non essere semplicemente “l’ingegnere del suono di ‘The Dark Side Of The Moon'”.<\/p>\n\n\n\n

Ricordiamo sinteticamente quanto gi\u00e0 scritto sui Concept album<\/em> – l’idea alla base della produzione discografica sviluppata secondo un filo conduttore comune a tutte le canzoni del disco:<\/p>\n\n\n\n